Operárias da guerra – Razões e encenações

Por Georgia Quintas

Além do olhar, além da imagem, a história de um arquivo fotográfico cria camadas que deslizam-se ao longo dos anos, em direção a questionamentos. E mais, nos coloca diante da possibilidade de perceber como um documento iconográfico é vívido ao aclarar sobre dada sociedade, dada contingência econômica e cultural de uma época relevante.

As fotografias desta exposição foram realizadas durante a Segunda Guerra Mundial sob a demanda do Office of War Information (1942-1945), órgão governamental dos Estados Unidos criado com o objetivo de chancelar a propaganda para arregimentar mão de obra feminina para a indústria bélica. Hoje, o acervo está guardado na Biblioteca do Congresso Americano. Ao colocar a fotografia à serviço da propaganda – e a propaganda à serviço de uma ideologia bélica-econômica-industrial – a imagem que nasce dessa cadeia é em certa medida a categorização de um modelo de discurso. De um status icônico no qual a aura delicada feminina se contrapõe ao serviço mecânico, árduo; porém, realizado com a precisão das mãos da mulher.

O inventário criado a partir de uma demanda propagandística é também uma compilação de intenções. A imagem da mulher representada é um elemento de construção de significados para aquela conjuntura social e econômica. Desse modo, o papel da mulher que antes “servia” apenas à casa, filhos e marido, era subvertido e legitimado pelo governo. Não há nas imagens o teor etnográfico, de registrar características, situações subjetivas ou índices de investigação. Há, entretanto, a trabalhadora-modelo que posa, que espera a colocação da luz contínua, que possui a maquiagem impecável e o cardigã mais charmoso do staff.

O teor documental indefectível dos arquivos fotográficos trazem ao olhar presente particularidades ligadas não apenas a texturas aparentes. A pose, esta sim, de modo crível nos entrega parte da discussão sobre mecanismos de ênfase na credibilidade da força da operária e na ilusão de que a fábrica era um território tênue com a linguagem da moda e da sedução. Desses movimentos inerentes aos acervos é possível estabelecer curvas interpretativas só possíveis pela produção imagética através da qual uma sociedade constrói seus símbolos (com causas e efeitos). Enfim, que o impacto do signo sempre nos jogue para o interior de suas camadas de razões e encenações.

* Texto de apresentação da exposição “Operárias da guerra – Razões e encenações”, no Madalena Centro de Estudos da Imagem, São Paulo entre 04/03/2013 ~ 12/05/2013.

Fotos: Alexandre Belém

Distâncias ausente

Por Georgia Quintas

“Não descrevo nada, na verdade tento entender”.

Júlio Cortázar

Estar distante ou estar ausente são estados que comportam em si a negação de pertencer a algo, a alguém. Em sua redundância, Distâncias ausentes, propõe vivamente compartilhar a sensação de aproximar linhas poéticas, sair da instância virtual e estabelecer vínculos mais estreitos e generosos ao olhar.

Embora nos esforcemos para que o olhar vagueie e encontre sua firmeza, certo indicativo de nitidez, as imagens astutamente contorcem nossa percepção e gotejam inefáveis sensações. Contemplar não é tão somente um estado de visão. É ainda, um pedido, o anseio pelo frescor, o gesto em alcançar. Perceber é também embaralhar os sentidos, percorrer discursos e encontrar seus próprios devaneios narrativos.

Distâncias ausentes reúne trabalhos dos fotógrafos Marco A. F., Daniela Paoliello, Jonas Grebler e Gilvan Barreto. Cada qual em seus universos imaginários, cada qual investigando proposições para a fotografia. Apesar dos distintos territórios poéticos que representam, juntos intensificam a nossa relação de leitura e de construir histórias. Nem sempre o que um autor cria está tão distante ou ausente do desejo do outro. Seja porque as obras dialogam entre si, seja porque, em nós, podemos afastar as distâncias até um ponto onde não mais são possíveis se tocarem.

A exposição Distâncias ausentes reflete o exercício que empenhamos, durante cinco anos, no Olhavê e Perspectiva, de difundir trabalhos especiais de fotógrafos brasileiros. Sendo assim, é de certa maneira, a celebração de um percurso que está inserido no mundo da virtualidade, mas que aqui ganha materialidade e interlocução vigorosa entre os quatro ensaios expostos.

* Texto de apresentação da exposição “Distâncias ausentes”, no Madalena Centro de Estudos da Imagem, São Paulo entre 24/11/2012 ~ 20/01/2013. Exposição coletiva sob minha curadoria com os artistas Marco A. F., Daniela Paoliello, Jonas Grebler e Gilvan Barreto.

Obras de Marco A. F.

Obras de Gilvan Barreto

Obras de Daniela Paoliello

Obras de Jonas Grebler

Fotos: Ricardo Labastier

Ver torna-se experiência

 Por Georgia Quintas

No escuro, adensamos imagens dissolutas. Damos formas ao que nunca possuiu, esgarçamos possibilidades à mercê de encontrarmos um novo território; certa espacialidade que não determina certezas, mas que assegura imagens, rascunhos de sensações. Através dela, a escuridão, vemos mais pelo que perdemos em sua latência insinuada do que pelo que apreendemos em seus lapsos de luz. Nem sempre a definição na imagem vista revela o discurso mais claro. Tatear, balouçar pela forma. Deslocar-se pelo escuro permite trançar certo erotismo com volumes marcados pela cor.

O ato íntimo de entregar-se às imagens é suficientemente profundo assim como vermos a escuridão. O peso da imagem transitiva – aquela que nos faz passar por uma estrada sem fim – também sopra o ar denso da procura, do olhar de quem viu mais alguma coisa nas pessoas, em vidas desfiadas… À penumbra destas imagens, sentimos o lembrar de coisas imaginadas em cenas que não pertencem ao mundo tátil. Ao nascer da porosidade de um sentir no limbo da noite: ver torna-se experiência. Pela manhã, resta a dúvida do que foi, do que valeu a pena.

* Texto publicado na revista S/N edição 18 com tema “Estrada” com ensaio do fotógrafo Ricardo Labastier.

Fotos: Rogério Reis

Ecos híbridos

Por Georgia Quintas

O gesto de encontrar-se com o olhar de quem cria mundos poéticos através da fotografia significa também percebermos como a potencialidade da imagem fotográfica é transmutada indocilmente. As inclinações conceituais e estéticas do fotógrafo representam o adensamento e a condução errática do exercício de pensar e propor símbolos através do “espírito” fotográfico. A exposição coletiva Ecos híbridos traz o trabalho de cinco fotógrafos brasileiros que contam suas histórias por distintas percepções, discursos e particularidades visuais.

Os ensaios presentes nesta exposição propõem investigações que se dilatam no sentido de construir a imagem pelo mergulho provocado – não apenas pelo fazer – mas sobretudo pela postura de vivenciar intensamente a experiência fotográfica. Por este caminhar de proposições fotográficas, encontramos os protagonistas do ensaio poético-antropológico Nazaré de Mocajuba, do fotógrafo paraense Alexandre Sequeira. A leveza do trabalho de Sequeira perpassa a atmosfera suave dos tecidos que nos envolvem. A ruptura do suporte presta-se com intensidade à imersão afetiva – fruto da relação social que a fotografia pode promover.

Já os mineiros Eustáquio Neves e Pedro David problematizam a imersão fotográfica através do retrato e da paisagem. Nos ensaios Objetização do corpo e Boa aparência, Eustáquio Neves intervém na experimentação técnica sobrepondo camadas em corpos que se reinventam e invadem o imaginário descontruindo nossa zona de conforto.

Enquanto isso, Pedro David, com os ensaios Homem Pedra e Impureza,  apreende a paisagem pelo espectro do viajante silencioso que, em vez de domesticar o sertão, joga-se pela indefinição imperativa do que é representar em estar ou ser a partir de uma paisagem.

O fotógrafo carioca Rogério Reis também colabora com sua perspectiva sensual e irônica sobre identidade em Ninguém é de ninguém. Suas imagens não se colocam claramente pela personificação. Ao elaborá-las como “não correspondidas”, o debate tem como ponto de partida o direito de imagem. Ecos híbridos ainda apresenta uma homenagem ao fotógrafo Luiz Carlos Felizardo por toda a sua extensa e importante contribuição à fotografia brasileira.

Conhecer o conjunto destes autores é vislumbrar a compreensão da diversidade pelo que os une sutilmente. No entanto, observar o interior de cada forma imersiva destas poéticas visuais nos faz entender o quão precioso é entrar nesta rede de processos alegóricos e sensíveis da criação fotográfica.

* Texto de apresentação da exposição “Ecos híbridos”, no Museu de Arte Contemporânea – Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura, Fortaleza entre 26/10/2012 ~ 09/12/2012. Exposição coletiva sob minha curadoria com os artistas Pedro David, Rogério Reis, Alexandre Sequeira e homenagem ao fotógrafo Luiz Carlos Felizardo.

Fotos: Pedro David

Foto: Eustáquio Neves

Fotos: Alexandre Belém – Obras de Sheila Oliveira

Fábulas e Encontros

Por Georgia Quintas

Como a fotografia nos trapaceia. Sempre foi assim… A experiência de vermos uma fotografia nos lança ardilosamente à sensação de que enxergamos a fotografia. Deambulando pela complexidade das identidades da imagem fotográfica, conseguimos perceber que não vemos uma fotografia por ser tão somente uma imagem. Vemos – e ela só se torna visível – porque desejamos senti-la e encontrá-la.

A fotografia alimenta a poética por infinitas criações. Assim, tornou-se possível enxergar um fluxo de fábulas, fantasias, invencionices narrativas, cenas e corpos improváveis. Com poucas chances de ocorrerem, existirem. Pelo menos, até encontrarem nossos olhos, nossa percepção e construírem nossa memória.

A exposição coletiva Fábulas e Encontros parte de um ponto de tensão, do deslocamento do visível na imagem para suas fantasias invisíveis. É um encontro entre nós e uma certa atmosfera imagética que esvazia as certezas, segue por imaginários e adentra nas ficções de sete artistas.

Ana Beatriz Elorza, Bruno Vilela, Claudia Jaguaribe, Flavia Sammarone, Ilana Lichtenstein, Luana Navarro e Sheila Oliveira apresentam variações temáticas que incursionam pela encenação em autorretratos, pela projeção da memória, por narrativas sugestivas e por alegorias poéticas construídas.

Vários caminhos, desencadeando histórias e contextos, fabulando sobre a representação visual. E então, a fotografia passa a ser a percepção sobre o encanto e o sentido que suas fantasias provocam em nós.

* Texto de apresentação da exposição “Fábulas e Encontros”, na Fauna Galeria entre 08/02/2012 ~ 24/03/2012. Exposição coletiva sob minha curadoria com os artistas Ana Beatriz Elorza, Bruno Vilela, Claudia Jaguaribe, Flávia Sammarone, Ilana Lichtenstein, Luana Navarro e Sheila Oliveira. Detalhes sobre cada artista, neste link.

Obras de Sheila Oliveira

Obras de Claudia Jaguaribe, Sheila Oliveira e Luana Navarro

Obras de Sheila Oliveira e Luana Navarro

Obras de Flávia Sammarone e Claudia Jaguaribe

Obras de Claudia Jaguaribe

Obras de Ilana Lichtenstein

Obras de Bruno Vilela e Ana Beatriz Elorza

Obras de Ana Beatriz Elorza, Claudia Jaguaribe e Ilana Lichtenstein

Daqueles mundos improváveis onde o pensamento racional recupera o impulso da fruição estética. Seria quando a imagem “desdobra-se” em seus sentidos múltiplos, de nossa relação visual com o incomum. Cada narrativa recupera a instância da alegoria e seu exercício vital de criação nas imagens fotográficas – algo fundante às representações pictóricas.

O pressuposto do belo não é a primazia do trabalho de Batallés (apesar de o ser), mas sim a força da magia. De tudo que gera a ficção pela superação da realidade. O real é mutável e a fotografia o pêndulo que a coloca no mundo da nossa percepção como reflexão aprofundada de ideias. Batallés apresenta essa multiplicação de “realidades” imagéticas.

Por Georgia Quintas

* Texto originalmente publicado em 2010 no Fórum Virtual, blog do Fórum Latino-americano de Fotografia de São Paulo.

O trabalho fotográfico do mexicano de Nuevo Leon, Fernando Gomez é incisivo em sugerir que as buscas do ser humano se refletem na imagem fotográfica. Com grande habilidade, Gomez identificou que a fotografia poderia enfatizar seu contexto social e cultural e, de alguma maneira, modificar a realidade de dificuldades, infortúnios, desilusão e solidão que a pobreza e falta de oportunidades envolvem as pessoas. De modo que como taxista discorre sobre suas “viagens” com olhar sutil e antropológico. A linguagem visual de Gomez se resolve como função em apreender e remeter. O ato em fotografar para Fernando Gomez é íntimo, na mesma medida que é sua vontade (embora simples, mas fundamental para sua vida) de conseguir a licença como taxista. Um fotógrafo nato que entende a fotografia como saída e esperança, como ele mesmo pensa.

Sim, em casos como o de Fernando Gomez, a imagem pesa em nosso corpo… Que continue firme como taxista e fotógrafo.

Por Georgia Quintas

* Texto originalmente publicado em 2010 no Fórum Virtual, blog do Fórum Latino-americano de Fotografia de São Paulo.

A fotógrafa mexicana Cannon Bernáldez busca plasmar miedos neste ensaio. Não identidades definidas e tampouco a experiência documental. O recurso é a criação. Transbordar esquemas que insinuem algo, nem muito contundente nem muito plausível. Cannon Bernáldez fecha os olhos e imagina. A fotografia portanto segue relatando as minúcias de medos mais próximos da sensação diáfana do que do concreto.

Coelho, pernas com meias lúdicas, espaços vazios, vestidos não vestidos, sapatos sem donos. Enfim, elementos estéticos que costurados por Benáldez parecem coisas fantásticas de medos sutis, sugestivos sem serem opressivos. Bom, mas a percepção sobre medos é algo relativo.

Nem sempre os medos de alguém fazem muito sentido ou mesmo possuem intensidade que nos sufoquem.

Os signos dos imaginários acorrentam de maneira pessoal a complexidade dos medos. Por mais que relatemos, só nós o sentiremos em sua profundidade.

Miedos, de Cannon Bernáldez, traça a linha tênue do sonho e do exercício de fechar os olhos. As imagens fotográficas são concebidas pelas hipóteses da memória, do repertório cultural que cercam nossas idiossincrasias. Pela fotografia, continuamos concebendo coisas e símbolos, assim como na vida. Por esta perspectiva, o vestido e os sapatos fixaram-se em minha retina. O porquê? Talvez, algum medo pela ausência.

Por Georgia Quintas

* Texto originalmente publicado em 2010 no Fórum Virtual, blog do Fórum Latino-americano de Fotografia de São Paulo.

Abandonar o instante e se apropriar da paisagem na tentativa de abstrair os clichês – que tal tema muitas vezes provoca –, trata-se do esforço em rever o conceito e convertê-lo em proposta de suspender o lugar. De modo que se possa conduzir os “sertões” em sua aura de símbolos e narrativas mais largas e criativas. O filósofo francês François Soulages reflete que “o artista não está aqui para dar respostas”. E nos conduz a uma das essências da imagem, quando afirma que interpretar é uma maneira de trabalhar a potencialidade de ficção.

De tal maneira, pensemos ainda em ensaios fotográficos que geram – pelo senso da pesquisa – não só as consequências da imagem em si, mas contudo suas instâncias de apreensão da subjetividade do lugar. O percurso de busca e imbricação do retórica sobre o sertão e sua dimensão da percepção metafórica entre natureza e homem pode e deve ser retrabalhado com ênfase na pesquisa, no aprofundamento da imagem não pela lente mas, muito mais, pela formulação da aproximação sensória com esse território.

No trabalho Homem Pedra, do fotógrafo mineiro Pedro David, a investigação caminha pela cartografia de um lugar repleto de cenas preexistentes em nosso imaginário seja afetivo, literário, social, cultural, estético… As imagens de Pedro David perambulam de mãos dadas com referência a obra Grandes Sertão: Veredas, de João Guimarães Rosa. De certo, inevitável, não remetermos a ela.

Além dos retratos, a paisagem de morfologia inquietante, rechaça a precisão do estigma da pobreza, fome e miséria tão frequente à imagem do sertão. Suplanta-se tais condições para construir certa poética voltada para a relação estóica entre o homem e este lugar – duro de se manter a sobrevivência.

A luz, o rastro de poeira, a arquitetura, a vegetação e as pessoas passam a encantar pelas fotografias de Pedro David. No entanto, esse encantamento não se formula apenas pela beleza ou raridade da cena, mas também pelo mistério vindos do silêncio e do paradoxo do que podemos vir a imaginar. O devir neste ensaio pode afugentar olhares incautos, a percepção precisa se nortear através de passos falsos… Pelos quais, convenhamos, as imagens inferem mais.

Homem Pedra: espécie de ato litúrgico do estar num espaço muito mais pela imaginação do que pela certeza das pedras.

Por Georgia Quintas

* Texto originalmente publicado em 2010 no Fórum Virtual, blog do Fórum Latino-americano de Fotografia de São Paulo.

O trabalho de Silberfaden, muito embora tenhamos consciência desse sistema que nos “engole”, é translúcido em percorrer cenários e colocá-los de forma sutil. O teor comportamental em Consuming Kids prolonga a nossa percepção crítica sobre outro ponto a considerar: por que não vemos o que nos cerca? Sim, porque vivenciamos e, em alguns casos, partilhamos do exagero, do consumo fútil… Bom pensarmos sobre a imagem que um outro olhar nos propõe. A desarticulação da superficialidade com que cotidianamente apreendemos o universo imagético é um fator relevante. A priori todos sabemos. Mas, todavia, não vemos.

Nico Silberfaden apresenta crianças, cujas identidades respiram a extensão das coisas, dos objetos escolhidos. A dinâmica nonsense alarga os significados dos valores materiais. Gestos e situações geram os símbolos da rede social que toca a todos nós. Os espaços registrados por Nico sublinham a atmosfera de espetáculo, do encanto que depois se perde pelo chão com pais exaustos, abatidos. O filósofo Guy Debord, em sua obra A sociedade do espetáculo, já aludia: “O espetáculo é o momento em que a mercadoria ocupou totalmente a vida social.Não apenas a relação com a mercadoria é visível, mas não se consegue ver nada além dela: o mundo que se vê é o seu mundo”. O que dizer mais?

Por Georgia Quintas

* Texto originalmente publicado em 2010 no Fórum Virtual, blog do Fórum Latino-americano de Fotografia de São Paulo.