Antes do começo, é o recuo, a curva que ainda não contornamos. O antes é a fotografia que surge e nos guarda na imagem. O começo é quando passamos a lidar com o mundo pela fotografia. Quando encontramos em sua longevidade a cavidade de afetos, significados, conflitos, ideias, algumas verdades, um punhado de mentiras (ou o inverso), a compreensão de uma época, moldes de brincar de ser, de representar sempre.

Nesse mundo visual, o tempo não é linear, mas sim da ordem de naturezas diversas que alinhavam a memória. Passamos então a ter a impressão de dissolver-se em imagens. A fruição passa a ser uma grande experiência, a iminência da passagem. Sempre um começo. A fotógrafa Mariana David de gesto minucioso vai de uma ponta a outra desta curva. Propõe visões distintas pela fotografia.

Incipiente, talvez determinarmos o trabalho de Mariana por gêneros e funções em seu modo de lidar com essa linguagem. Então, por substituição, consideremos poesia e estratégia para situarmos modos pelos quais ela processa a expressão fotográfica.

Em Antes (2010), há o gesto solto, a paisagem baça. Coisas poucas, coisas delicadas. Algo que ocorre involuntariamente em sincronia com o que virá depois. A delicadeza e os contornos subjetivos da narrativa deste trabalho desvelam o ato de perceber como manufatura do olho. É relacional ao grau de doação que você comparte com as imagens.

Em Ausências habitadas (2011), Mariana David, insere a estratégia conceitual do desconforto, da entrevisão por meio da paisagem que compõe os indivíduos e suas ramas vermelhas. O que fizera de rarefeito em Antes é aqui composto de situações incompatíveis para abrigarem embates entre representação, interferência e retórica contemporânea. Ou seja, um modo seu, peculiar, de chegar na outra ponta da curva, onde podemos parar para pensar no quão fértil é lidarmos com o mundo através desse encontro. Quando começamos a deslocar por símbolos, quando a fotografia começa a fazer sentido para cada um de nós.

Por Georgia Quintas, março de 2012.

No trabalho Reminiscências (2009-2011), de Israel Souto Campos, nada é por nada. Tudo parece inevitável, imprescindível. Como se cada imagem nascesse assim, tivesse uma gênese natural, colada na poesia que lhe faz experimentar. Talvez isso tudo seja possível porque, como o pintor norte-americano Richard Estes afirmava, a fotografia não é a última palavra em realismo. E não é mesmo. Israel descarrilha a realidade por uma estética nebulosa, como que realizada a golpes de sonhos.

O gesto retorna. As ranhuras e riscos – mais do que interferência – obscurecem o objeto, o campo de visão. Israel emula a materialidade através de representações etéreas, incongruentes e misteriosas. Cria assim uma superfície de imprecisão sígnica, fazendo com que o olhar escave, revolva a essência da imagem ou do que dela poderia nos ensinar.

Do salto pela criação, ganhamos fôlego para cairmos no abismo da interpretação ou flutuarmos na terna beleza de algo que Israel quer expressar ora de forma áspera, ora de modo doce. Nessa dimensão, o ensaio guarda sua potencialidade por trás das asas de um anjo. Intocáveis são os anjos tanto quanto são improváveis as imagens.

Por Georgia Quintas, março de 2012.

Na pele e da pele, ela poderia ser sutil. Prefere não ser. A fotógrafa Luana Navarro descortina seu corpo por frontalidades, redundâncias e encenações. Faz algo que preciso mencionar o sempre irretocável Vilém Flusser quando define o signo como “fenômeno cuja meta é outro fenômeno”.

Nas imagens Micro-Resistências (2008-2011), Luana apresenta a investigação simbólica sobre o corpo em lugares plausíveis e espaços inóspitos. Propõe colocar aparentemente impávida, costurando tensões, a pose entregue ao sentido especial do simbolismo. Fragilidade e vulnerabilidade estimulam saídas para este trabalho.

No ensaio Do que sou e não posso dizer que sou (2010), apesar de ser autorretratos, a identidade é velada, ampliando a percepção sobre a temática que problematiza sentimentos profundos. As fissuras e entranhas desarticulam o índice para a falácia de formas vulneráveis. Nesse trabalho, Luana Navarro descortina o corpo do sentido estético e indicial. Revela o avesso, marcas e suturas que ressaltam a força dramática subjetiva deste ensaio.

A técnica artesanal enfatiza a materialidade – o que causa ainda mais o impacto visual. Luana Navarro imprime nesses dois trabalhos a inquietação pelo que carregamos em nosso corpo e que a fotografia, de alguma maneira, lança luz ao que está dentro e diante de nós.

Por Georgia Quintas, março de 2012.

Gilvan Barreto – pernambucano de Jaboatão dos Guararapes, radicado no Rio de Janeiro – revela o desassossego da criação, da vontade em despertar imagens fotográficas que solfejem ares autônomos de elementos simbólicos, inerentes ao exercício do movimento de pensar e propor particularidades reflexivas do que vivemos e sentimos entremeados pela fotografia. No que pese seus aspectos transformadores em criar elos com imagens íntimas, bem à parte do que o faz ser um reconhecido e experiente fotógrafo no meio editorial, Gilvan parte para novos encontros.

Ultimamente, Gilvan experimenta imagens. Em Líquido, retratos congelados (Fotos 8~12), os elementos de busca estão no quão inefável é nossa relação sobre a retenção das coisas e dos amores. Partindo de imagens familiares, ele traça um esquema árduo de apreensões desejantes. Seja por uma tentativa física de reter, congelar a sua memória afetiva do aconchego simbólico recriado pela força do imaginário. O gelo é trabalhado por Gilvan, metaforicamente aqui, pelo viés da conservação, por estancar um processo de tempo, perda, vida e afetos. Mas é também um elemento ambíguo pois revela a fluidez incontornável do gesto, da inocência em conduzir a lembrança para uma condição subliminar da imagem fotográfica apropriada de seu ábum de família. O que vemos, não é o documento dos seus pais, mas entretanto a pertinência de reconduzi-los para si, em seus pensamentos. Toda memória se alimenta de imagens.

Em Fronteiras (Fotos 1~7), guiados por uma fita vermelha, entramos e saímos de limites. Como que um fio trouxesse vestígios de espaços (talvez sonhados, talvez possíveis). Dissociado dos referentes mais mundanos, os quais cercam nossa percepção, o ensaio abstrai o próprio tema. Os signos incorridos por Gilvan flutuam entre o lúdico e o discurso da aderência pelo encanto da poesia de uma simples fita vermelha. O que recai sobre a estética, recai também em busca de suas margens, do sentido de si envolto em espaços. O ensaio lança, assim, não apenas imagens.

Por entre a análise processual dos códigos utilizados por Gilvan, seria bem possível acreditarmos se, por ventura, nos dissesse que a fita vermelha fizesse parte de coisas vividas. Com sutileza, a fita ganha propriedades e sentido. Somos envolvidos por esse eixo das tentativas em trazer territórios subjetivos e pessoais.

Porém, simplesmente, Gilvan comprou a fita vermelha. Determinado, resolveu pensar em suas fronteiras geográficas, físicas, desejadas e sonhadas. Num vislumbre de dialogar com um repertório singular que se convertesse em simbólico, a fita passou a ser um dispositivo de tentativa. Vale pensar nessas imagens como adormecidas num cômodo nobre onde Gilvan aguardou por um tempo para chamá-las. Belo processo de inquietação fotográfica.

Por Georgia Quintas, julho de 2011.

Agora, refletindo e revendo em minha memória as fotografias de Jonas, faço esse percurso de contemplação, vejo o que restou delas em mim. Volto para elas, com a sensação de que houve um convite mudo – de coisas e homens – que se exilam nestes ensaios. O convite foi feito. É só olhar. Se não percebeu, olhe novamente. Sinta o quanto de mar, sal e peixe impregnam esse convite. Convite esse que dá voltas pela saturação, pelo contraste, muito mais pelo controle de luz de Grebler do que da indefectível natureza que rege o tema. Os pescadores e peixes de Jonas Grebler alinham-se na aura irreal e distanciam-se da sensação corriqueira inerente ao conteúdo documental.

Em Dois, devo lembrar do escritor argentino Julio Cortázar quando diz: “Não descrevo nada, tento entender”. Sejamos lúcidos, as coisas quando colocadas terrivelmente isoladas do seu contexto, escondidas em partes, na penumbra, reviram nossa relação de certeza e nos lançam para o jogos do sentido dos signos. Os objetos reconduzem cenas por meio dos referentes encontrados por Grebler pela Chapada Diamantina.

Para o fotógrafo, Dois pesquisa os vestígios de intervenções humanas e contrastes entre as paisagens produzidas pela mão do homem e pela natureza. A leveza com que representa as coisas em seus lugares é um dos pontos a ser observado neste ensaio. Lírico, simples e belo, assim o ensaio nos mostra cada coisa carregada de significados íntimos. Muito além da função temporal e especial que desempenham. Jonas Grebler traduz a emoção das coisas num sopro suave, descortinando a iconicidade. Os dois ensaios operam laços poéticos que nos ajudam a pensar na imagem fotográfica como uma lufada de particularidades hermenêuticas, graças ao poder simbólico que ela gera em nós.

Por Georgia Quintas, julho de 2011.

A fotógrafa Talita Virgínia nos faz pensar sobre essas questões com seu ensaio Pai, Polícia (2006-2010). Talita partiu do seu núcleo familiar para que a fotografia explicasse o que se passou, passara e o que está por vir nessa sua história. Na verdade, o empenho desta fotógrafa em narrar se engata na idiossincrasia da atmosfera a qual ela respirou durante toda sua vida. Este ensaio Pai, Polícia é o resultado de seu trabalho de conclusão de curso de graduação em fotografia, mas não só isso. Assenta-se na experiência de Talita a tarefa de recolher da figura humana do pai, policial militar em São Paulo por mais de trinta anos, traços da existência das relações de afeto e o universo da violência da profissão paterna.

Ao eleger um eixo familiar e ter que quer confrontar-se com questões de sua história privada, Talita, a fotógrafa, precisou acomodar seus sentimentos para testemunhar por meio da câmera o sentido do seu entorno. O ensaio surge não como um “auto-retrato”, mas como uma exposição de sua estrutura familiar, após ela própria passar por certa reflexão e recolhimento intensos sobre o que retratava. Nas imagens, a câmera não se contrapõe à intimidade – suave, observa cuidadosamente os contornos daquela família e da presença onipresente das insígnias policiais. O ensaio Pai, Polícia mobiliza nosso olhar por trazer à tona o documento doméstico e autobiográfico de quem fotografa. O traço jornalístico de Talita fez com que as imagens se aproximassem dela com a força de quando buscamos algo que só chegará se formos a ela.

Quando pergunto à Talita sobre o que foi mais forte nesse ensaio, ela me responde: “Ter que me relacionar diretamente com meu pai durante as rondas em que eu ia fotografar. Eu nunca tinha tido uma aproximação como essa, nem dele, nem desse cotidiano violento banal”. O processo de considerar os seus e a si própria refuta qualquer chance de facilidade por estar próximo o bastante. É, quando estamos tentando nos enxergar, a fotografia intermedia essa compreensão fazendo com que a criação ganhe outros valores pessoais e sociais.

E quando Talita diz, “Só ponho minha energia em trabalhos nos quais eu sei o que quero dizer e pra quem eu quero dizer. Por isso que demorei tantos anos pra ter um primeiro trabalho. E com certeza vou demorar pra terminar o segundo…”, temos aí pistas das particularidades de como ela se envolve com o que fotografa. Isso nos faz chegar ainda mais no interior do processo de criação das imagens desta fotógrafa. Talita é jovem e percebeu que representar fotograficamente o que sente é deixar que o olhar ganhe tempo, que as imagens se emancipem… Que a fotografia de Talita Vírginia nos ensine sempre.

Por Georgia Quintas, abril de 2011.

Alejandro Zambrana traz através da saturação da cor o encantamento de desprender-se do óbvio. As tonalidades revelam-se densas, laboriosas ao olhar. Ou seja, a percepção visual integra-se sorrateiramente nas composições. Lugares, pessoas, gestos, encenações e festividade recombrem-se de uma beleza icônica capaz de permitir que a imagem se alargue em sua dimensão conotativa. A partir desta tradição que ocorre todo ano no mês de outubro e que representa a batalha entre negros e índios pela conquista das terras da região do Vale do Continguiba (Sergipe), Zambrana envolve sua investigação visual de forma expressiva e sedutora.

O fotógrafo sergipano centra o recorte temático tanto na “batalha” dos lambe sujos e caboclinhos como nas situações para a produção do festejo, em seus personagens e nos adereços. A pesquisa visual é extensa, compreendendo as mudanças na encenação durante o período de dez anos ao qual se dedicou Zambrana. A longevidade da produção dos ensaios confere alguns bons motivos para considerarmos que o trabalho de Zambrana está próximo da Antropologia. De uma Antropologia que documenta, inventaria; mas que também assimila o olhar sobre a manifestação cultural como elaboração interpretativa da percepção. Olhar esse que considera o outro em suas particularidades como a pista para compreendermos a magnitude simbólica e poética que dá sentido às tradições, a códigos sociais, rituais simbólicos, que fortalecem a memória e a história. A Antropologia já percebeu que a imagem testemunha, mas que desvela também a delicadeza e abundância da subjetividade no campo fotográfico – neste, discutimos o porquê da imagem e seu valor de fabulação. A fotografia de Alejandro Zambrana também encontrou esse caminho.

Por Georgia Quintas, abril de 2011.

]]> http://www.olhave.com.br/perspectiva/?feed=rss2&p=939 0 http://www.olhave.com.br/perspectiva/?p=909 http://www.olhave.com.br/perspectiva/?p=909#comments Sun, 20 Mar 2011 03:19:05 +0000 admin http://www.olhave.com.br/perspectiva/?p=909 Belo Horizonte (MG), 1983

Elisa Mendes já cursou Letras e Comunicação Social, mas desistiu das palavras. Está escrevendo esta mini-biografia na maior dificuldade pois acha um absurdo falar na terceira pessoa sobre si mesma. Quando criança, tinha um laboratório de fotografia no banheiro de casa, onde aprendeu com o pai a base da fotografia analógica. Trabalhou oito anos como redatora publicitária e, em 2008, comprou sua primeira câmera e resolveu o que queria fazer na vida.

Fez cursos de fotografia na Escola de Belas Artes da UFMG e em 2010, foi para Nova Iorque, estudar na School of Visual Arts. Lá desenvolveu o projeto “NYLovers”, andou de bicicleta e, ao longo dos seus caminhos, também registrou a triste sonolência dos drogados e ex-drogados que vivem nas ruas da cidade, na série "Something". Voltou deportada para o Brasil e tem sua mug shot como seu melhor retrato 3x4. Junto com Steffania Paola, mantém o blog 365 Nuncas, um projeto artístico-existencial. É autora também do Bonito isso:, porque acredita que beleza é pra se compartilhar. Mais do seu trabalho fotográfico pode ser visto em myelisa.com.

Então, uma fissura sem sentido surge no imaginário dos seus próprios retratos. Logo que vi estas doze fotografias, colocadas na mesa por Marco A. F., de uma maneira que parecia buscar certa aritmética, pensei: “É como se ele tentasse lembrar um sonho…”. E em poucos segundos, estava diante de um mosaico litúrgico, repleto de buscas e caminhos. Com voz pausada, o autor disse: “São fotos da minha infância”. O título? Esse não sou eu.

Compreensivelmente, por um lado, há os que se apropriam do álbum de família como documento (em ato de atestação), do outro, há os que escavam essas imagens pelo ímpeto da subjetividade (da dicotomia de pertencer, mas de não lembrar). Para estes últimos, pesquisar, pensar e refotografar é compreender a fragilidade da imagem em nossa identidade.

Justamente assim, em Esse não sou eu, a escrita da história do protagonista é suavemente redefinida, ou melhor, reconduzida. A vivência em pensar sobre tais imagens é aproximada nos enquadramentos, editada cuidadosamente, como se tentasse enxergar o mistério de ter sido entre uma e outra fotografia.

O trabalho de Marco é lindo, não só pela plasticidade, pelo tom magenta que nos desloca para um outro espaço, mas por nos fazer acreditar que algo guardado com amor nos ajuda a compreender quem somos. Lewis Carrol, numa missiva para certa menina, escreveu: “Se você acredita em tudo, começa a fatigar os seus músculos-do-acreditar, e depois fica tão cansada que não é capaz de acreditar nas verdades mais simples”. “Esse não sou eu” faz parte dessas verdades mais simples.

Por Georgia Quintas, março de 2011.

Imersa em suas tomadas de consciência em ser fotógrafa, Nati Canto faz suas imagens discorrerem, seguirem ideias questionando processos e posturas diante da fotografia. Em seu trabalho “Metrô”, se presta a descumprir o modelo da câmara digital; a converte numa pinhole digital e tenta vislumbrar situações e sensações a um espaço urbano corriqueiro e banal. A tonalidade, a granulação e a baixa velocidade compõe dada estética que refuta a representação documental. Em vez disso, Nati Canto expressa formas e cores que transitam na ideia de prover dado território enquanto metáfora da passagem dos indivíduos na metrópole.

Em “Hanging Women”, working progress iniciado em 2007, a poética suscita vários tópicos da contemporaneidade e não somente dela. Nati Canto coloca em cena o corpo da mulher em simbiose com lugares. As personagens não encaram a câmera e assim, portanto, mulheres anônimas tornam-se cartografia de sentimentos pendurados em lugares intrigantes. Entrevemos questões muito próximas da produção nas artes visuais: o corpo como guia de encenação e pressuposto de encaminhamentos conceituais. Entretanto, “Hanging Women” flerta com a performance – tão caras às ações de rupturas no campo da arte nos anos 1960 e 1970 – e revela que a linguagem não se esgota no enunciado. As mulheres inventadas, que mais parecem sair de fábulas, nos levam com elas para dentro da imagem.

Por Georgia Quintas, abril de 2010.